viernes, 26 de noviembre de 2010

Historia de la Musica

Es aquella en la cual las manifestaciones musicales del hombre consisten en la
extereorizacion de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el
fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que
podían producir sonidos.


Lejano oriente
Música en China: atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese país ansiosos de
novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la música; reservaban las primeras a los
hombres ordinarios y las ultimas a hombres sabios.
Exponía la situación del país en cada momento histórico que vivía. Los chinos formaron la
escala que los europeos llamaron "cromática", descubierta por el maestro de música de
Hoan-Ti(antiguo emperador).


Medio oriente
La música en Israel
Era un elemento inseparable del culto. Pentateuco: el caso de Labán(reprocha a Jacob
por haber partido el canoón con los suyos a escondidas sin haberse despedido con
alegría, cantores, etc.) Génesis: cita instrumentos musicales(el kinno – de cuerdas, y el
ougob – de viento) Exodo: el canto oral. Cantemus dominio: compuesto por Moisés (al
pisar tierra firme después de cruzar el Mar Rojo), fue cantado por la Iglesia cristiana.
Instrumentos: Cuerda: las lisas, y cítaras. Salterio de 13 cuerdas (nebel), arpa egipcia de 10
cuerdas (kinner) llamada "arpa de David".


Cuenca del mediterráneo
Música en Egipto
Es un misterio como era la música egipcia. Se admite su influencia sobre la culturamusical
griega y la existencia de indicios sobre instrumentos conservados, también el hallazgo de
bajorrelieves en templos religiosos. Se deduce que los egipcios poseían instrumentos de
cuerda, viento y percusión, ya que se encontraron en algunas tumbas faraónicas figuras
de flautas, etc.
Empleaban el movimiento de la mano (quirononía), para indicar la ondulación melódica,
se marcó el ritmo con palmadas, sistros, crótalos, carracas, platillos y tambores, también
para indicar la marcha de la melodía los cantantes se valían de movimientos de las
manos(cheironomía).
La música se la asignaba con una doble posibilidad. Por un lado la capacidad de motivar
en el hombre una sensación (de gozo, alegría) y por el otro, al de crear sensaciones de
naturaleza mística y mágica.


Música en Grecia
Generalidades: componían música sobre la base de tipos de música ya consagrados, o
sea: no creaban música.
Solo un determinado esquema musical le agregaban diferentes poesías o alteraban su
ritmo dando nacimiento a otras obras musicales. Géneros melódicos muy variados:
Prosodia: canto entonado cuando la procesión se dirigía al templo.
Hiporquema: melodía asociada a movimientos corporales propios de danzas griegas.
Ditirambo: canción en honor de Dionisio o Baco.
Peán: himno en homenaje a Apolo.
Treno: canto fúnebre y doliente creado por Linos.
Elegía: carácter triste.
Himeneo y Apitalemio: carácter alegre, para el casamiento.
Sobre la base de estos géneros se elaboró toda la música lírica en Grecia, pero se fueron
introduciendo otros géneros líricos como: Dafneforicas (entonados por portadores de
laurel), Oscoforicas (por quienes llevaban una rama de vid), tipodeforicas (dos individuos
que cargaban los trípodes.)


Música en Roma
Generalidades: una diferencia de Grecia dedicó toda su vida a desarrollar sus ideales
políticos, de allí que en el terreno musical y artístico se la considere imitadora de ésa.
El cultivo de la música era condenado por algunos gobernantes como Tulio Cicerón, pero
Cicerón, por ejemplo consideraba que debía realizarse con perfección y moderación.
Instrumentos: tibia u oboe.


 Música popular
El pueblo Romano se preocupo por la música y el leguaje, por ejemplo, algunos oradores
estaban acompañados por un flautista. Cuando inicia la época de los emperadores con
Octavio(Augusto) comienza la "paz octaviana" época de gran prosperidad para las artes.
Se desarrolla el virtuosismo musical entre profesionales y aficionados y ocupa una
preferente atención de los emperadores.


La Música en la edad media
Se divide en el Periodo Patrístico 
En el románico  y el gótico en el periodo Patrístico apareció la era
Cristiana y al Era media, en esta ultima la historia de la música se encuentra íntimamente
ligada a la forma en que se desarrollola liturgia cristiana ya que se consideraba a la música
el vehículo por medio el cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios. Existieron formas
de expresión musical.


Música religiosa y profana
Las diversas forma musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la
existencia de textos y melodías profanas que trataron de penetrar en los oficios religiosos.


Música Profana
Los nuevos personajes dedicados a la disposición de esta música fueron los Juglares. Los Trovadores, Los
bardos. 



Música gregoriana
La Iglesia Católica tuvo su propio lenguajemusical nacido de los 4 dialectos musicales que
se impusieron: el Milanés, el Galiciano, el Mozárabe y el Romano, pero en definitiva el que
se impuso fue el Romano, si bien el Canto Ambrosiano ejerció una poderosa influencia a
fines del Siglo IV, el Canto Gregoriano sé de difundió a toda la Cristiandad casi dos siglos
después y marco un trascendente camino en el desarrollo de la Humanidad.


Polifonía
Es una nueva técnica musical resultante del cruzamiento de varias voces, según reglas y
esquemas armónicos. Se difundió en especial en Francia durante los Siglos XII, XIII y XIV,
luego por el resto de Europa. Mas tarde se fueron adaptando diversos matricesde acuerdo
con el temperamento y gusto de cada pueblo.

Performance

Entendida de este modo, una performance, puede ser
infinidad de cosas en función de cuál sea el acto que
se realice. Así, se ha generado lo que se conoce como
performance-danza, performance-teatro, performanceplástica,
etc, según haga hincapié respectivamente en
la representación de una danza, un evento teatral o
una creación plástica, pictórica o escultórica. Todas
estas categorías, sin embargo, comparten como base el
adjudicar una mayor importancia a la realización que
a lo realizado.

Richard Schechner,
Roselee Goldbeg


En Latinoamérica, la performance estuvo ligada no
sólo a la importación de tendencias vanguardistas
desde Europa y Estados Unidos, sino a los rituales de
origen indígena propios de los pueblos originarios de
las distintas regiones y también a su circulación
interna.

Las Vanguardias Artisticas Hasta La Abstraccion

FAUVISMO
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

CUBISMO
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.



PINTURAS NEOCLASICAS
PINTURA SURREALISTA

BRAQUE
JUAN GRIS


EXPRESIONISMO
El término expresionismo da nombre en los primeros años del siglo XX al estilo que reacciona frente al impresionismo y al Jugendstil en Alemania, al igual que ocurre en Francia o Italia como el cubismo o futurismo.
Asimismo, se utiliza para denominar un clima de desencanto frente a la estructura social y política de la Alemania de Guillermo II y engloba además al resto de las manifestaciones artísticas.
Dos grupos en Alemania se consideran específicamente expresionistas. "Die Brücke"(El Puente) fundado en 1905 en Dresde, y "Der Blaue Reiter" (El jinete azul) en Múnich (1911).
Desde una posición postromántica, el expresionismo en sus comienzos se centra en la utilización del cuadro para expresar sentimientos humanos de un modo muy libre, con fuerte colorido y dibujo agresivo.
Ahondan en la deformación y el color adquiere contenidos emocionales. Las fuentes de inspiración de los artistas de "Die Brücke" son Van Gogh, Gauguin y Munch; la escultura primitiva de África y Oceanía, y los grabados alemanes en madera.






Arte Islamico

Arte islámico. Orígenes y características:
Dos rasgos dominantes del arte y la arquitectura islámicas, la importancia de la decoración caligráfica y la composición espacial de la mezquita, estuvieron íntimamente ligados a la doctrina islámica y se desarrollaron en los primeros tiempos de su religión. En Medina, Mahoma reunió a un grupo de creyentes para celebrar la oración comunitaria. La casa de Mahoma consistía en un recinto cuadrado de muros de adobe abierto a un patio, rematado por un soportal o cobertizo en el lado sur. En el muro oriental se levantaron las habitaciones de las mujeres del Profeta, volcadas hacia el patio, donde se reunían los fieles para orar bajo las directrices de Mahoma, que se subía en un estrado para dirigirles. En esta disposición se ha querido establecer el origen de las futuras mezquitas, que suelen presentar un patio interior (sahn) rodeado de pórticos (riwaqs) y un espacio cubierto (haram), articulado mediante naves de columnas y delimitado por la quibla, el muro que señala la dirección de La Meca.

Influencias del arte islámico:
Los primeros seguidores de Mahoma fueron pueblos nómadas procedentes de la península Arábiga, con escasas tradiciones artísticas, en contraste de los imperios que conquistaron posteriormente. A medida que se expandió, el islam asimiló las distintas tradiciones culturales y artísticas de los pueblos sometidos, instaurando así un estilo artístico propio, que varía de acuerdo con las diversas áreas climáticas o los materiales disponibles. Algunos motivos adaptados de otras culturas se convirtieron en temas universales del mundo islámico. El arte islámico evolucionó a partir de muchas fuentes, como las romanas, paleocristianas o bizantinas, que se entremezclaron en su primera arquitectura, el arte persa Sasánida y los estilos del centro de Asia, incorporados a través de las incursiones turcas y mongolas. El arte chino constituyó un ingrediente esencial de la pintura, la cerámica y las artes textiles.


Arquitectura:
El escaso ritual del culto islámico dio lugar a dos tipologías de carácter religioso: la mezquita (masjid), recinto donde la comunidad se reúne para orar, y la madrasa o escuela coránica. Dentro de la arquitectura civil destacan los palacios, los caravasares y las ciudades, en las que se consiguió un planeamiento racionalizado de acuerdo con las canalizaciones de agua y la protección frente al calor. Otro edificio importante en el islam es el mausoleo, enterramiento de un gobernante y símbolo de su poder terrenal. Todos estos edificios religiosos y seculares tienen numerosos elementos estructurales y decorativos en común. Mezquitas El muro de la quibla indica la dirección hacia la que los musulmanes deben dirigir su oración, la ciudad santa de La Meca. Para diferenciarla del resto de las paredes del templo se abre en ella un pequeño ábside o nicho llamado mihrab, similar al altar cristiano pero sin su contenido simbólico. El resto de las sala de oración es un espacio techado indiferenciado, dividido en ocasiones por series de arquerías sobre columnas, paralelas o transversales al muro de la quibla. Esta disposición, heredada de las basílicas paleocristianas y transformada por el culto musulmán en la tipología conocida como mezquita hipóstila, evita las articulaciones espaciales jerarquizadas, características de sus antecesoras cristianas. 



PINTURA ISLAMICA
En pintura hay que destacar la miniatura persa, que al igual que la de los cristianos decora libros, el Corán, libros de literatura y científicos. Los motivos son tanto religiosos como de la vida palaciega y sus placeres. Es la mayor fuente de imágenes figurativas del islam que tenemos. Su época de esplendor son los siglos X y XI.
     En la miniatura distinguiremos tres escuelas la árabe, la persa y la turca. La escuela árabe aparece en el siglo XII en torno a Iraq. Nos proporciona un testimonio a cerca de las costumbres de la época. Destacan obras como los Autómata de al-Jarizi, obras de medicina atribuidas a Galeno o Dioscórides (La materia medicina), el libro de fábulas de Calila y Dimna, y libros de aventuras. Pero sobresale el Libro del arte veterinario. La segunda escuela es la persa, a partir del siglo XIV, que tiene una influencia oriental, sobre todo china. Destacan elBestiario de Ibn Bajtista, el Libro de los reyes y el Tratado de anatomía de las constelaciones. En el siglo XVI se conoce la figura de Bezad, que crea la escuela bezadiana, famosa por sus obras de género y los retratos. La tercera es la escuela turca, a partir del siglo XIII. La obra más representativa es El libro del saber de los aparatos mecánicos




ESCULTURA ISLAMICA

  La escultura es aún más escasa. Se reduce a las artes menores: cerámica, vidrio, marfil, cofres, etc. Sin embargo, existen relieves con motivos geométricos y caligrafía, en puertas y paredes. Este tipo de representaciones encuentra su ámbito en la élite social islámica, que gusta del lujo. Escultura como la del Patio de los Leones en la Alhambra es extraordinaria.
     La cerámica comienza en el período abasí. El principal centro productor es la ciudad turca de Izmir (Esmira), en la que se fabricaron los primeros azulejos decorados.
     En marfil destacan los olifantes (cuerno de marfil) de carácter decorativo y finamente labrados.



Arquitectura Contemporanea

ARQUITECURA DE HIERRO
Los efectos de la revolución industrial se hicieron sentir en todos los ámbitos de la vida contemporánea. El vertiginoso progreso tecnológico fue el verdadero responsable. La arquitectura, como disciplina muy afectada por la tecnología, sentirá de una forma muy superior a las de las otras artes plásticas los avances que desde mediados del siglo XVIII se vinieron sucediendo en el ámbito específico de los materiales factibles de ser aplicados a la construcción. La incorporación de nuevos materiales implicaba un cambio radical de la apariencia de la arquitectura, lo que hace necesario ampliar el concepto de arquitectura.
Aunque el primer efecto de la revolución industrial sobre la construcción fue la extensión del ladrillo, el material que revolucionó la arquitectura fue el hierro. A partir de 1750 se sustituye el carbón vegetal por el mineral lo que permite la obtención del hierro fundido o colado que tiene mayor contenido de carbón que el hierro. El resultado es un material duro e inflexible y muy resistente a la compresión, produciéndose además en grandes cantidades. Esto sucedía en Inglaterra en 1750, lugar en el que comienza a emplearse en la construcción de máquinas y raíles. Ya en 1775 se utilizó en la construcción de un puente sobre el río Severn. Aplicado a la arquitectura surgirá en el Royal Pavilion de Brighton.


ESCUELA DE CHICAGO
La escuela de Chicago fue un estilo arquitectónico surgido a finales del siglo XIX y principios del XX en la ciudad de Chicago. Fue pionero en la introducción de nuevos materiales y técnicas para la construcción de grandes edificios comerciales.
En la mayoría de los edificios pertenecientes a la Escuela de Chicago, encontramos varios elementos comunes que podemos considerar como características generales de esta Escuela:
  • Estructuras metálicas (esqueletos o armazón de hierro) que, entre otras cosas, permitirá realizar edificios con gran altura.
  • Uso del pilar de hormigón como soporte o cimiento. Será la solución al desafío de construir sobre un suelo arenoso y fangoso.
  • Ventanas extendidas horizontalmente por toda la fachada (con las dimensiones que se desee, dado que ya no serán necesarios los llamados muros de carga):
  • Posible eliminación de los muros de carga (gracias a esta estructura metálica)
  • Desarrollo del ascensor eléctrico
  • Con respecto al exterior, se suprimen los elementos decorativos (tan habituales en la arquitectura artística de finales del siglo XIX). Se apuesta por superficies lisas y acristadas. Predominan las líneas horizontales y verticales.
  • Atractivas fachadas de mampostería.



MOVIMIENTO ARTS AND CRAFTS.
 Este movimiento que inició en 1861, impulsado por William Morris, poeta y diseñador originario de Gran Bretaña quien se inspiró en la cultura de la edad media, ha sido admirado por centenares de persona alrededor del mundo quienes se han visto altamente atraídos tanto por la artesanía como por los muebles diseñados por los integrantes de esta tendencia. Arts & Crafts surge con la intensa búsqueda de particularidad que había sido restringida por la fabricación masiva de artículos, impidiendo así la creatividad de los artistas de las época. El proyecto de Morris contó con tanta aceptación que en la última década del siglo XIX su influencia había trascendido fronteras encontrándose en América del Norte. Dichos diseños acapararon tantas artes como les fue posible ya que contaron con la participación de arquitectos, diseñadores, pintores y hasta poetas unidos a esta búsqueda que trataba de darse un lugar dentro de las conocidas bellas artes. 

ARQUITECURA MODERNISTA
Arquitectura moderna es un término muy amplio que designa el conjunto de corrientes o estilos de la arquitectura que se han desarrollado a lo largo del siglo XX en todo el mundo. A pesar de lo ambiguo del término (similar al de arte moderno o arte contemporáneo), se refiere a las producciones arquitectónicas contemporáneas o arquitectura contemporánea, no a la arquitectura de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), ni siquiera a la arquitectura del siglo XIX (que pertenece a la Edad Contemporánea) o a la de otros periodos de la historia de la arquitectura.
A pesar de la similitud en la denominación, ni arquitectura moderna ni arquitectura contemporánea deben confundirse con la arquitectura modernista, expresión arquitectónica del movimiento modernista o Art nouveau que se desarrolló en las últimas décadas del siglo XIX y primeras del XX. Tampoco puede confundirse con el Art decó que se desarrolló en el período de entreguerras (1918-1939), simultáneamente a la renovación estética del arte de vanguardia. Esta verdadera revolución en el mundo del arte, en el campo de la arquitectura tuvo sus principales desarrollos en la Escuela de la Bauhaus y el denominado Movimiento Moderno vinculado al Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (1928-1959), no sin diferencias, marcadas por la oposición entre un funcionalismo racionalista y otro organicista (racionalismo arquitectónico y organicismo arquitectónico).



Realismo E Impresionismo.

REALISMO

El arte realista se configura como un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX.

El nacimiento del realismo

Ya desde épocas anteriores se apreciaba un cansancio de los valores románticos y el deseo, entre los artistas más inquietos, de incorporar las experiencias más directas y objetivas en sus obras. El proceso es gradual aunque rápido, y entre el romanticismo y el realismo se establece una continuidad, sin embargo sus planteamientos ideológicos y formales serán muy distintos.

También se establece una relación compleja entre el realismo y el academicismo, debido a que todavía existe entre los dos una competencia evidente. También es cierto que se influyen mutuamente. Así, aunque los pintores realistas sean excluidos de las grandes muestra oficiales, la pintura académica evidenciara una atención mayor hacia la observación directa de la naturaleza y la realidad del momento. 

La ideología del arte realista

Desde el punto de vista ideológico, el realismo queda vinculado a las ideas socialistas más o menos definidas. Aunque con claras diferencias entre los distintos autores, en general se aprecia un interés por la situación de las clases más desfavorecidas de la sociedad surgida de la Revolución Industrial. Algunos, adoptan una actitud absolutamente comprometida con los intereses del proletariado, participa en acontecimientos políticos del momento y hace un arte combativo. Otros, mantienen una postura más moderada, y endulzan de alguna forma su visión de la realidad.

Todos ellos comparten una estética basada en la representación directa de la realidad. La manera cómo se materializa este principio básico varia desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Mollet. En cualquier caso, todos comparten la radicalidad de los temas: ante la trascendencia que conceden al tema romanticismo y academicismo, el arte realista entiende que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.

Este planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura está sometida a reglas extraordinarias de la crítica oficial: los temas, las actitudes, las composiciones y hasta las medidas de los cuadros tiene que ajustarse a estos rígidos criterios. Ante esta situación, los pintores realistas defienden una pintura sin argumento, una captación simple de la realidad, en la cual lo fundamental es la forma en que se representa la imagen y el sonido, y no su desarrollo narrativo.

Los artistas realistas

Gustave Courbet 

Jean-François Mollet 



Honoré Daumier 



IMPRESIONISMO


El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes.  Los impresionistas escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron:   Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, y Auguste Renoir.




Del Neoclacisimo al Goya.

Neoclacismo
Orígenes del Movimiento neoclasicista
  • Factores influyentes en el origen del movimiento
  • El Neoclasicismo comienza a surgir junto al movimiento barroco, en el siglo XVII. Para manifestarse totalmente a mediados del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX.
  • Agotamiento de formas decorativas del Rococó .
  • Descubrimiento de ruinas de Pompeya y Herculano arrasadas por sedimentos volcánicos; interés por arqueología y cultura griega y romana.
    1. Características Generales del Neoclasicismo
      • Neoclasicismo
      Clásico Equilibrado Ordenado Fría Apariencia Claridad en Composiciones Contención de Actitudes
    2. Neoclasicismo en las Artes
      • Arquitectura
      Panteón de Jacques Soufflot 1764-1788 Iglesia de la Madeleine Arco de l´Etoile
    3. Escultura
    4. Neoclasicismo en las Artes “ Amor y Psique” “ Paulina Borghese” Antonio Canova
    5. Pintura
    6. Neoclasicismo en las Artes Jacques-Louis David La Coronación de Napoleón 1805 Napoleón cruza los Alpes 1800
    7. Juramento de los Horacios 1784
    8. Pintura
    9. Neoclasicismo en las Artes Jean-Auguste Dominique Ingres
    10. Neoclasicismo en las Artes
      • Literatura Neoclásica
      Características Generales de la Literatura Neoclásica
      • Afán de disciplina, la literatura se sujeta a reglas estrictas.
      • Mensajes moralizantes en fábulas.
      • Predominación de fábulas, critica literaria y el teatro.
      • Predominio de la razón sobre el sentimiento.
      Géneros Neoclásicos Critica Literaria; Historia; Fabulas; Teatro Obras El si de las Niñas El avaro Tartufo El burgués gentilhombre Fabulas de la Fontaine Autores Leonardo Fernández de Moratín* Félix María de Samaniego Moliere* Jean de la Fontaine
Fransisco de Goya.
Quizá la figura de Goya sea más atrayente por lo que supone de ruptura. Francisco de Goya y Lucientes nace en un pequeño pueblo de la provincia de Zaragoza llamado Fuendetodos el 30 de marzo de 1746. Sus padres formaban parte de la clase media baja de la época; José Goya era un modesto dorador que poseía un taller en propiedad y poco más, de hecho "no hizo testamento porque no tenía de qué" según consta en su óbito parroquial. Engracia Lucientes pertenecía a una familia de hidalgos rurales venida a menos. La familia tenía casa y tierras en Fuendetodos por lo que el pintor nació en este lugar, pero pronto se trasladaron a Zaragoza. En la capital aragonesa recibió Goya sus primeras enseñanzas; fue a la escuela del padre Joaquín donde conoció a su amigo íntimo Martín Zapater y parece que acudió a la Escuela de dibujo de José Ramírez. Con doce años aparece documentado en el taller de José Luzán, quien le introdujo en el estilo decadente de finales del Barroco. En este taller conoció a los hermanos Bayeu, muy importantes para su carrera profesional. Zaragoza era pequeña y Goya deseaba aprender en la Corte; este deseo motiva el traslado durante 1763 a Madrid, participando en el concurso de las becas destinadas a viajar a Italia que otorgaba la Academia de San Fernando, sin obtener ninguna. En la capital de España se instalará en el taller de Francisco Bayeu, cuyas relaciones con el dictador artístico del momento y promotor del Neoclasicismo, Antón Rafael Mengs, eran excelentes. Bayeu mostrará a Goya las luces, los brillos y el abocetado de la pintura. Durante cinco años permaneció en el taller, concursando regularmente en el asunto de la pensión, siempre con el mismo resultado. Así las cosas, decidió ir a Italia por su cuenta; dicen que llegó a hacer de torero para obtener dinero. El caso es que en 1771 está en Parma, presentándose a un concurso en el que obtendrá el segundo premio; la estancia italiana va a ser corta pero muy productiva. A mediados de 1771 está trabajando en Zaragoza, donde recibirá sus primeros encargos dentro de una temática religiosa y un estilo totalmente académico. El 25 de julio de 1773 Goya contrae matrimonio en Madrid con María Josefa Bayeu, hermana de Francisco y Ramón Bayeu por lo que los lazos se estrechan con su "maestro". Los primeros encargos que recibe en la Corte son gracias a esta relación. Su destino sería la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, para la que Goya deberá realizar cartones, es decir, bocetos que después se transformarán en tapices. La relación con la Real Fábrica durará 18 años y en ellos realizará sus cartones más preciados: Merienda a orillas del Manzanares, El Quitasol, El Cacharrero, La Vendimia o La Boda. Por supuesto, durante este tiempo va a efectuar otros encargos importantes; en 1780 ingresa en la Academia de San Fernando para la que hará un Cristo crucificado, actualmente en el Museo del Prado